Brisons un tabou. Les artistes n’aiment pas parler de leur richesse. Du moins les artistes reconnus internationalement. Nous-mêmes gardons l’image de l’artiste romantique qui peint dans un atelier parisien, sans chauffage. La « bohème » quoi. L’artiste famélique opposé au gros bourgeois. L’art devant être désintéressé… L’art devant être une exploration des tréfonds de l’inconscient, voire du corps. Pensez à Rimbaud ou Van Gogh. Ce dernier est mort pauvre et à moitié fou (la fameuse histoire de cette oreille coupée). Aujourd’hui, les œuvres du Hollandais de génie valent des milliards et trônent dans les halls d’entrée des plus grandes banques du monde. Actuellement, sans doute, après les créations de Kafka et de Warhol, en passant par Duchamp (l’art existe car il est exposé dans un musée ou une galerie, même un WC), l’artiste a changé de statut dans la société. Il est plus ancré dans la société, fonctionnaire anonyme ou carrément artiste-homme d’affaire (Warhol). Pensons aussi à Dali qui signait des toiles blanches à colorier selon nos goûts (mais qu’il vendait très cher). Warhol avec son pop art a lancé une vague de célébration ambiguë de la société de consommation. L’art contemporain sans complexe affiche donc un rapport à l’argent et au processus cyclique : expos/articles de critiques recherchant le buzz/marché de l’art où les œuvres sont autant d’investissements financiers qu’affectifs/ artistes scrutant le marché, etc… L’art contemporain désarçonne mais séduit encore, malgré un certain cynisme. Un retour au figuratif et à l’humour (Jeff Koons !) a sans doute arrêté de faire fuir un public perdu dans les méandres de l’art conceptuel voire du minimalisme ou des expérimentations sur les différents langages symboliques. Le très branché magazine Complex a donc, sans complexe, dressé la liste des 15 artistes vivants les plus riches de la planète. Nous en retiendrons 10 pour ne pas vous fatiguer. Le magazine s’est basé uniquement sur les ventes réelles d’œuvres en galerie ou au enchères.
Lorsque l’art rencontre la mode, naissent alors des créations qui flirtent entre les frontières de ces deux mondes. Démonstration avec ces cinq créations à mi-chemin entre vêtement et oeuvre d’art.
Inlassablement inspirés par le monde de l’art, les créateurs et marques de luxe n’ont jamais hésité à puiser l’inspiration dans les œuvres des plus grands artistes, certains allant même jusqu’à reproduire de véritables œuvres d’art sur textile et, ainsi, brouiller les frontières entre les deux disciplines, mode et art. La preuve par cinq. Rien de perdu dans la vie de chaque jour. Pour cela, ne pas chercher à noter chaque impression directement : le temps n’y suffit pas et entraîne la pauvreté du travail. Le profit que l’on tire de ses promenades, de ses voyages n’est pas immédiat ni direct. Il y a nécessité de digérer, lentement, quelquefois plusieurs années ; ne pas employer les choses trop neuves. Je ne pouvais retrouver mon premier élan, la vision qui m’avait ébloui, mon point de départ. La présence du modèle du thème est une gêne pour l’artiste pendant qu’il peint. La présence du modèle pendant la réalisation du tableau est une tentation ; l’artiste court le risque de se laisser emporter par sa vision directe, immédiate, oubliant son premier mouvement. Et il finit par accepter le fortuit, il peint les détails qu’il a devant lui et qui ne l’intéressaient pas au début.
Le néo-surréaliste adulé à Londres et dans le monde entier pour son crâne en diamants ! Il aurait 1 milliard de dollars. Il vient de décorer un des restaurants les plus chics de Londres (le Tramshed), avec ses vaches et poules sous vide dans des caissons de verre… Very english ! Damien Steven Hirst est un artiste britannique, né le 7 juin 1965 à Bristol . Il vit et travaille à Londres. Il a dominé la scène de l’art britannique dans les années 1990 en tant que membre du groupe des Young British Artists. En 1995, il est lauréat du Turner Prize. Damien Steven David Brennan est né à Bristol et a grandi à Leeds. Sa mère, Mary Brennan, épouse William Hirst, lorsqu’il a un an, il portera son nom. Son beau-père était mécanicien et sa mère employée dans l’administration, au Citizens Advice Bureau (en). Ils divorcent lorsqu’il a douze ans. Il s’est montré indiscipliné pendant son enfance et le dessin était le seul domaine dans lequel il a pu se distinguer positivement dans ses études. Il est impressionné par l’œuvre de Francis Davison.
Le plus dingue de l’art contemporain avec ses statues grotesques et remplies d’humour, ses voitures peintes de toutes les couleurs, son buzz du mariage avec la sulfureuse Cicciolina, ses tulipes de 500 kg et son invasion surréaliste du château de Versailles ! 500 millions de dollars. Avec la couverture d’ARTPOP, Gaga a mis en évidence le sculpteur Jeff Koons, l’auteur de la sculpture qui apparaît sur la couverture de l’album (en une heure, nous avons raccroché la critique demandée de l’album). Mais l’artiste ne doit pas sa popularité au chanteur, car il est l’un des plus recherchés du moment, malgré le fait qu’il soit désormais connu du grand public grâce à la projection donnée par l’auteur de Poker Face. Koons s’est formé à Chicago et est venu travailler en tant que courtier en valeurs mobilières à Wall Street, et en tant que collectionneur partenaire du Museum of Modern Art de New York (Moma). Il a émergé dans les années 80 et a formé un groupe de 30 assistants dans une étude qui a suivi les traces d’Andy Warhol et de son usine. Cette équipe, experte dans la commercialisation de leurs œuvres, a réussi à augmenter la valeur de tout ce que Koons a créé et à le vendre au plus offrant. On ne peut pas dire que Koons a été un précurseur d’un mouvement artistique, car déjà dans les années 60, le célèbre Pop Art ou Duchamp utilisait des thèmes du quotidien pour critiquer une société de consommation, et démontrer comment un objet de faible valeur pouvait être réévalué en l’appelant art (Célèbre est le cas d’un urinoir dans un musée, des excréments dans une boîte, une simple photographie d’une bouteille de Coca Cola). Mais Koons a poussé l’idée un peu plus loin grâce à son utilisation des médias et de la publicité pour faire avancer son idée. Il n’a pas été coupé en se moquant de l’influence que ces médias ont sur la population, sachant comment scandaliser quand il voulait avec des thèmes sexuels, des poupées gonflables, des pin-up, etc. Le sexe était très présent dans ses œuvres lors de sa relation avec le Actrice porno Cicciolina, avec la série Made In Haven, En plus de créer une controverse, il a dû faire face à plusieurs reprises devant les tribunaux pour des poursuites pour violation du droit d’auteur, pas toujours à l’abri.
Jasper Jonhs est né à Augusta, en Géorgie, et a grandi à Allendale, en Caroline du Sud, avec ses oncles et grands-parents, après la séparation de ses parents. À propos de cette phase de sa vie, il a dit : «Là où j’étais enfant, il n’y avait ni artistes ni art; donc je ne savais pas ce que cela signifiait. Je pense que je pensais que cela signifiait que je serais dans une situation différente de celle dans laquelle je me trouvais .
Jaspers Johns a étudié à l’Université de Caroline du Sud entre 1947 et 1948, et en 1949, il a déménagé à New York, rejoignant une école d’art commercial, la Parsons School of Design. En 1952, il est allé à l’armée et a été placé à Sendai, au Japon, pendant la guerre de Corée, où il est resté jusqu’en 1953. De retour à New York, Jasper Johns rencontre Robert Rauschenberg, Merce Cunningham, chorégraphe, Marcel Duchamp et John Cage, Musicien américain d ‘ avant – garde . Ensemble, ils approfondissent la scène de l’ art contemporain , en même temps qu’ils commencent à suivre leur propre chemin dans l’art.
En 1955, il peint le plus célèbre et le plus connu de ses tableaux, The American Flag . Ses peintures sont décrites comme des données néo-dadaïstes, par opposition au Pop Art, bien que celles-ci incluent généralement des images et des objets de la culture populaire. Pourtant, le travail de Jaspers Johns est catalogué comme appartenant au Pop Art, en raison de l’utilisation artistique de l’iconographie classique. Plus tard, lors de leurs expositions à Paris, leurs drapeaux sont perçus, par certains critiques, comme une diffusion nationaliste. Ce peintre et dessinateur américain est un des inventeurs du mouvement Pop Art (dont le pape était Warhol évidemment). Il peint des séries entières de drapeaux, de chiffres ou de cibles sur toile. Il utilise aussi des objets de la vie quotidienne qu’il intègre à ses travaux. Il a 82 ans et 300 millions de dollars. L’art de Johns attirait déjà l’attention lorsque le marchand Leo Castelli a découvert ses peintures lors de sa visite à Rauschenberg; impressionné, Castelli invite rapidement Johns à avoir une exposition solo dans sa galerie. Cette exposition de 1958 fut un succès, le directeur du Museum of Modern Art achetant trois des peintures de Johns.
Succès artistique
“Flag” n’était qu’un exemple de Johns présentant un objet communément vu d’une manière nouvelle; en plus des drapeaux, il produirait des images de cibles, de chiffres, de lettres et de cartes. Ce travail a perturbé la domination de l’expressionnisme abstrait et est reconnu pour avoir aidé à préparer le terrain pour le Pop Art et le minimalisme. Dans les années 1970, Johns passe à l’abstraction, utilisant des motifs hachurés dans de nombreuses œuvres. Il reviendrait à un style plus figuratif; “Cigale” (1979) présente des hachures croisées et une cigale. En vieillissant, Johns a également commencé à inclure des touches autobiographiques dans son travail.
Qui est Takashi Murakami? Le monde de la peinture connaît Takashi Murakami comme un artiste japonais contemporain prolifique qui travaille à la fois dans les médias des beaux-arts , tels que la peinture, ainsi que dans les médias numériques et commerciaux. Il brouille les frontières entre le haut et le bas de l’art . Il s’approprie des thèmes populaires des médias de masse et de la culture pop, puis les transforme en sculptures de trente pieds, en peintures « Superflat » ou en produits commerciaux commercialisables tels que des figurines ou des caddies téléphoniques. Mondialement connu et adulé par des marques comme Louis Vuitton, cet artiste de Tokyo a d’abord voulu être dessinateur de manga. Ensuite, il est entré à l’Université des Arts de Tokyo où cette passion pour les personnes humoristiques ultracolorés ne l’a pas quitté. Un style reconnaissable entre tous ! 100 millions de dollars.
vie et carrière
Takashi Murakami est né le 1er février 1963 à Tokyo , il a fréquenté l’ Université nationale des beaux-arts et de la musique de Tokyo , étudiant d’abord l’art japonais plus traditionnel. Il a poursuivi un doctorat à Nihonga , un style traditionnel de la peinture japonaise. Cependant, en raison de la popularité de l’ anime et du manga (styles d’animation japonais et histoires graphiques comiques), Murakami est devenu déçu par Nihonga . Il est devenu passionné par la culture otaku , qui, selon lui, était plus représentative de la vie japonaise moderne.
Cela a abouti à Superflat, le style que Murakami est crédité d’avoir inventé. Il s’est développé à partir de Poku, ( Pop + otaku ). Murakami a écrit qu’il vise à représenter la culture Poku car il s’attend à ce que l’ animation et l’otaku créent une nouvelle culture. Cette nouvelle culture est un rajeunissement de la scène artistique japonaise contemporaine. Dans des interviews, Murakami a exprimé sa frustration face à l’absence d’un marché de l’art fiable et durable dans le Japon d’après-guerre, et la vision générale de l’art japonais comme ayant un faible statut artistique. Il est cité comme disant que le marché n’est rien d’autre qu’une «appropriation superficielle des tendances occidentales». Sa première réaction a été de faire de l’art dans des médias non beaux-arts. Il a ensuite décidé de se concentrer sur la durabilité du marché de l’art et de se promouvoir d’abord à l’étranger. Cela marque la naissance de KaiKai Kiki, LLC .
En 2008, Takashi Murakami a fait la liste des «100 personnes les plus influentes» du magazine Time , le seul artiste visuel inclus.
Ouvrages d’art
Le style de Murakami, appelé Superflat, se caractérise par des plans plats de couleur et des images graphiques impliquant un style de personnage dérivé de l’ anime et du manga . Superflat est un style artistique qui commente le mode de vie et la sous-culture otaku , ainsi que le consumérisme et le fétichisme sexuel .
Comme Andy Warhol , Takashi Murakami prend la culture basse et la reconditionne, et la vend au plus offrant sur le marché «high-art». Comme Warhol, Murakami met sa culture basse reconditionnée à la disposition de tous les autres marchés sous forme de peintures, sculptures, vidéos, t-shirts, porte-clés, tapis de souris, poupées en peluche, caddies pour téléphones portables et sacs à main Louis Vuitton en édition limitée à 5 000 $. . C’est comparable à Claes Oldenburg, qui a vendu ses propres pièces low-art et high-art dans sa propre vitrine dans les années 1960. Ce qui rend Murakami différent, ce sont ses méthodes de production, et son travail n’est pas dans une seule boutique, mais dans plusieurs, allant des magasins de jouets, des allées de bonbons, des magasins de bandes dessinées et de la maison de design française de Louis Vuitton. Le style de Murakami est un amalgame de ses prédécesseurs occidentaux, Warhol, Oldenberg et Roy Lichtenstein , ainsi que de ses prédécesseurs japonais et contemporains d’ anime et de manga . Il s’est commercialisé avec succès dans la culture occidentale et au Japon sous la forme de Kaikai Kiki et GEISAI. L’intervieweuse Magdalene Perez lui a demandé de chevaucher la ligne entre l’art et les produits commerciaux, et de mélanger l’art avec la marque et le merchandising.
«Smooth Nightmare» est un exemple d’une peinture populaire de Murakami dans le style Superflat. Il expose l’un de ses motifs récurrents du champignon. La répétition des champignons est un bon exemple de la connexion de l’œuvre de Murakami avec les thèmes des cultures souterraines et alternatives.
En novembre 2003, ArtNews a rapporté que le travail de Murakami était parmi les plus désirés au monde. Le collectionneur de Chicago Stefan Edis aurait payé un record de 567 500 $ pour la “Miss ko2” de Murakami en 1996, une figure de bande dessinée en fibre de verre grandeur nature, chez Christie’s en mai dernier. Le propriétaire de Christie, François Pinault, aurait payé environ 1,5 million de dollars en juin pour acquérir «Tongari Kun» (2003), une sculpture en fibre de verre de 28 pieds (8,5 m) et quatre figurines de champignons en fibre de verre, qui faisaient partie d’une installation au Rockefeller Center . En mai 2008, «My Lonesome Cowboy» (1998), une sculpture d’un garçon en train de se masturber, a été vendue 15,2 millions de dollars lors d’une vente aux enchères Sotheby’s .
Murakami est crédité dans la conception de l’œuvre de l’ album pour le rappeur de Kanye West album Graduation .
En septembre 2010, Murakami a exposé certaines de ses œuvres au château de Versailles en France , remplissant 15 salles de ses sculptures.
Le 21 juin 2011, Googlea présenté son doodle étiqueté comme « Premier jour de l’été », créé par Murakami.
